21 de noviembre de 2010

EL TAMBOR DE HOJALATA: UN GRAN CLASICO DE LA LITERATURA EN EL CINE



Reconocemos a Volker Schlöndorff como una de las mas importantes figuras del nuevo cine alemán al lado de otros grandes directores como Werner Herzog y Wim Wenders. Los tres encabezaron el movimiento de renovación en que incurrió el cine teutón en los años sesenta, no obstante, Schlöndorff mantuvo siempre una estética realista alejada de la experimentación. Pese a esto, el director de “El joven Törless” se constituye como el adalid de un nuevo cine que abandono tajantemente la influencia clásica del expresionismo.

Esa actitud visionaria de Schlöndorff se atribuye a su formación en el instituto de altos estudios cinematográficos en Francia, además de su labor como asistente de Alain Resnais. Sus primeras experiencias cinematográficas llevadas a cabo en pleno auge de la Nouvelle Vague sin duda alguna removieron su intención de despojarse del clasicismo a la hora de hacer su propio cine.

La complejidad del cine de Schlöndorff se debe indudablemente a su estrecha relación con la literatura. Se encargo de reproducir en la pantalla obras de Robert Musil, Bertolt Brecht, Marguerite Yourcenar, entre otros; sin embargo la adaptación mas recordada es la que hizo de la novela de Gunter Grass, El tambor de hojalata.

La película constituye senda critica realista a la época del ascenso, dominio y caída del imperio nazi. Su novedad radica en que la mirada a ese mundo de catástrofe es hecha por un niño que a los tres años decide detener su crecimiento para no convertirse en esa imagen de adulto que le han dado sus padres. Se aferra entonces a su tambor de hojalata que, acompañado de su estrepitosa voz aguda, se convierte en una poderosa arma para hacerse escuchar. Esa habilidad es la que le permite recorrer Europa dándonos a conocer todo lo que sucede con los nazis.

La historia familiar inicia en una época de guerra pues su abuelo es victima también de la persecución militar. La madre de Oskar representa la ambigüedad del pueblo de Danzig (donde conviven alemanes polacos y judíos) al casarse con un militar nazi y sostener un romance con su primo polaco. Con la ocupación rusa y el fin de la guerra, seguido de la muerte de su padre, Oskar decide ante su tumba volver a crecer lo que simboliza el renacimiento del pueblo alemán.

El filme cargado de un ambiente negro típicamente expresionista y con matices de surrealismo, se convierte en una de las grandes miradas a ese oscuro periodo histórico. La adaptación de Schlöndorff enriqueció la opinión que se tenia de la novela de Grass y ayudo a reconocer su grandeza lo que veinte años mas adelante le permitiría recibir con orgullo el premio Nóbel de literatura.

Título Original: Die Blechtrommel
Director: Volker Schlöndorff
Año: 1979
País: Alemania
Título en español: El Tambor de Hojalata
Duración: 142 minutos
Guión: Jean-Claude Carrière, Franz Seitz, Volker Schlöndorff (Novela: Günter Grass)
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Igor Luther
Reparto: David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, Charles Aznavour, Andrea Ferréol, Heinz Bennent
Genero: Drama
Idioma: Alemán

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7 de noviembre de 2010

LOS OLVIDADOS, LA CRUDA MIRADA DE UN ESPAÑOL


Hacia la segunda mitad del siglo XX, las urbes latinoamericanas se encuentran en un trepidante proceso de formación.  Proceso en el cual la brecha entre clases sociales empieza a hacerse mucho más grande, dando pie al surgimiento de cinturones de miseria que se convierten en la vergüenza de la población mas favorecida. 

Dicha vergüenza no permitía que las artes y mucho menos el cine efectuaran el más mínimo acercamiento hacia esa realidad oculta, pues se ponía en riesgo tanto la buena imagen de las naciones como la buena gestión de los gobiernos. 

Esta situación se vivía claramente en México donde los realizadores nacionales tenían el ojo puesto en otras historias dándole la espalda al pueblo que suplicaba tácitamente una corta aparición en escena que suscitara la compasión y la bondad de la comunidad internacional.  Pero no, en México el cine era un medio de evasión y no una maquina para pensar.

Es allí cuando aparece Luis Buñuel y voltea la cara hacia los suburbios urbanos para realizar junto a Luis Alcoriza una cruda denuncia social que despertara al pueblo mexicano. 

Los olvidados pone en escena a los niños de los arrabales.  Niños sin apoyo familiar que descargan su rencor social por medio de actos vandálicos.  Niños que, como el Jaibo, viven en conflicto con los demás y poseen una capacidad vengadora típica de la ley de la calle.

Es la primera vez en el cine que los niños ocupan un rol tan importante. Cada uno de ellos opera como un símbolo diferente.  Pedro, es el niño abandonado que busca escapar de su realidad, pero que se da cuenta de que no puede hacerlo porque el crimen lo persigue incesantemente.  El ojitos es el símbolo de la infancia abandonada que siempre esta esperando que regresen sus padres pero que finalmente termina siendo explotada. 

Pero no solo los niños están cargados de significación.  El músico ciego simboliza al pueblo opresor que no le interesa construir una sociedad igualitaria sino exterminar a los que considera delincuentes y no victimas.  Por su parte, la madre de Pedro representa a las madres solteras que traen hijos al mundo a sufrir y que no se preocupan por darles cariño pues piensan que bastante hacen alimentándolos.

Los olvidados tiene también vestigios de surrealismo pues el sueño adquiere un papel trascendental en la conciencia de Pedro. Y que decir de las dosis de erotismo que nos brinda el director como la leche derramada sobre los muslos de la muchacha y las candentes miradas entre el Jaibo y la madre de Pedro.

La película constituye el primer acercamiento del cine latinoamericano a su propia realidad.  Tendencia que aun se mantiene en películas como Ciudad de Dios y La vendedora de rosas A través de ella, Buñuel ejerce una cruda critica contra el espectador que se negó, durante tanto tiempo, la oportunidad de conocer la otra cara de su país.  El huevo que lanza Pedro contra la cámara representa eso, una agresión contra la sociedad que los mantiene ocultos, una descarga de ira contra los opresores y los indiferentes.   

Titulo:Los olvidados
Año:1950
Duración:88 min.
País:Mexico
Director:Luis Buñuel
Guion:Luis Buñuel, Luis Alcoriza, Oscar Dancigers
Música:Gustavo Pitaluga
Fotografía:Gabriel Figueroa
Reparto:Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Estela Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina
Productora:Ultramar Films
Premios:1951: Cannes: Mejor Director

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23 de octubre de 2010

EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES: EL MUNDO OCULTO DE HOLLYWOOD


Para muchos amantes del cine, la llegada del sonido representó una ruptura bastante positiva que le permitió a Hollywood alcanzar un éxito mucho mayor del que ya ostentaba con sus maravillosas películas mudas.  No obstante, es indudable la contribución de dicho avance técnico en el detrimento de grandes figuras de los años veinte que fueron literalmente relegadas, algunas por su avanzada edad (cosa que aún sucede) y otras por no cumplir con los patrones de un nuevo cine en el que la expresividad ya no era tan necesaria.

Billy Wilder es el único que se atreve a denunciar la crueldad con que fueron tratadas estas grandes estrellas, pese a tener en su contra una avalancha de criticas por parte de algunos de los miembros de la industria cinematográfica mas poderosa del planeta.

Sin embargo, la controvertida Sunset Boulevard se ha convertido en un icono en la historia del cine demostrando la calidad y pertinencia de esas estrellas mudas que fueron descartadas tras el arribo del sonido.  Gloria Swanson se personifica a ella misma pero asumiendo el nombre de Norma Desmond,  una actriz que vive encerrada en su mansión en medio de una opulencia que nos recuerda las grandes despliegues del cine mudo.  Su único consuelo es el juego de las cartas con otras figuras igual de importantes a ella, como Búster Keaton, que experimentaron una aparatosa caída del pedestal de la fama.  Anclada en su vida pasada, Norma se pasa el tiempo contemplando sus gloriosas películas en un pequeño teatro en la sala de su casa, acompañada por su mayordomo Max quien al final nos confiesa ser uno de sus grandes directores, interpretado nada menos que por Erich Von Stroheim, otra olvidada estrella de este periodo.

Es la llegada de un escritor a su mansión la que revive sus esperanzas tanto sentimentales como actorales, pues le confía su idea de un guión en el que ella será la protagonista principal.  Joe Gillis quien narra la historia desde su lecho de muerto, una piscina, representa para esa otoñal figura la posibilidad de retornar a un mundo que ya no prescinde de ella, como nos podemos dar cuenta con su visita al estudio de Paramount donde Cecil B. De Mille, quien la lanzó a la fama, sufre al tener que decirle que su época dorada terminó hace mucho rato.  No obstante, Norma sigue convencida de su mundo de mentira, un mundo donde sus fanáticos le envían cientos de cartas todos los días, un mundo donde las llamadas de la Paramount son para confirmarle la aprobación de su película y no para pedirle alquilado su viejo automóvil.  Mundo de mentira mantenido por Max que, haciendo gala de sus dotes de director, convierte el ocaso de su amada en una puesta en escena de la que solo ella esta convencida. 

Sunset Boulevard además de una critica a ese lado oscuro de Hollywood, es una muestra de magnifica calidad, pues hay que tener en cuenta las libertades narrativas (poner a un muerto de narrador) en que incurre y de las cuales solo pueden salir avantes los genios como Wilder.  También se destacan los contrastes actorales de las figuras frescas como Betty y el maravilloso estilo expresivo de Gloria Swanson, propio de un cine carente de diálogos.  ¿Acaso alguien podrá olvidar algún día ese descenso por las escaleras que tiene tanto de decadente como de sublime?.

TÍTULO ORIGINAL Sunset Boulevard
AÑO 1950
DURACIÓN 110 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Billy Wilder
GUIÓN Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.
MÚSICA Franz Waxman
FOTOGRAFÍA John F. Seitz (B&W)
REPARTO William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner, Franklyn Farnum
PRODUCTORA Paramount Pictures. Productor: Charles Brackett


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18 de septiembre de 2010

LA NOCHE AMERICANA: LA LECCIÓN DE UN MAESTRO


¿Quién iba a pensar que las vicisitudes de un rodaje servirían para realizar un completo homenaje tanto a la historia del cine como al intrincado proceso de hacer películas?

El único indicado para responder es Francois Truffaut que después de diecisiete películas de experiencia cinematográfica, decide mostrarle al publico la ficción detrás de la ficción en un complejo culto donde se concatenan desde los amoríos entre los utileros hasta los problemas psicológicos de los actores mediatizados siempre por ese demiurgo salvador que es el director.

En La noche americana, Truffaut le da a cada uno de los personajes una importancia singular. Ellos son esos héroes desapercibidos en los que nadie piensa cuando ve una película y en esta obra maestra del cine encuentran la oportunidad de hacerse escuchar.  Cada uno encarna una situación diferente, una historia de vida que se queda a un lado al momento de iniciar el rodaje, no obstante, algunas veces, esas situaciones ocultas hacen eclosión y añaden un toque de dificultad a la realización del filme.  Un protagonista inmaduro en el amor, una vieja estrella que debido al alcohol no logra actuar como lo hacia antaño; un director acosado por los productores; una de las actrices embarazada y una  muerte a punto de finalizar la filmación son algunas de esas situaciones que seguramente muchas veces habían ocurrido pero que por primera vez son contadas.

“Les presento a Pamela” es la ultima película que se rodara en los estudios de Niza.  Es un drama romántico clásico muy parecido a los de la era dorada de Hollywood, lo verdaderamente complejo de este filme es todo lo que sucede en su filmación, pues el equipo técnico y artístico tiene vidas mas interesantes que los mismos personajes de la película.

La noche americana es, también, todo un mosaico de citas cinematográficas que Truffaut pone a propósito para homenajear a sus ídolos e inspiradores.  Desde el principio, cuando aparece la dedicatoria a las dos estrellitas de los inicios del cine: Dorothy y Lilian Gish, nos damos cuenta de que el filme no es común y corriente es toda una lección de cómo hacer cine que incluye, además de las artimañas técnicas, un completo manual de cómo manejar los conflictos internos de los actores  y lidiar con las adversidades inesperadas. En fin, La noche americana es la lección de un maestro. 

TÍTULO ORIGINAL La nuit américaine
AÑO 1973
DURACIÓN 115 min.
PAÍS [Francia] Sección visual
DIRECTOR François Truffaut
GUIÓN François Truffaut, Jean-Louis Richard, Suzanne Schiffman
MÚSICA Georges Delerue
FOTOGRAFÍA Pierre-William Glenn

REPARTO Jacqueline Bisset, Valentina Cortese, Dani, Alexandra Stweart, Jean-Pierre Aumont, Jean Champion, Jean-Pierre Léaud, François Truffaut
PRODUCTORA Les Films du Carrosse

PREMIOS 1973: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1973: BAFTA: Mejor película
1974: 3 nominaciones al Oscar: actriz de reparto (Cortese), director, guión original
GÉNERO Drama | Cine dentro del cine

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4 de septiembre de 2010

OCHO Y MEDIO: EL PARAÍSO DE LAS OBSESIONES

La agonía de la creación artística es, tal vez, el enunciado mas acertado para definir el tema de esta obra maestra de Federico Fellini.  Sin embargo, el filme trasciende; de un mero relato sobre la realización de una película se convierte en  una compleja exploración sobre las fantasías y obsesiones de un director. 

Al igual que en otras de sus películas, la propuesta de Fellini consiste en una reproducción de la realidad mediatizada por un enfoque surrealista y fantasioso.  Allí se mezclan los delirios con lo real tangible y visible, pero se pierden los limites entre uno otro de tal manera que se pierde la continuidad del relato.  Surge una suerte de metarelato alternativo que se aproxima al tejido onírico y se introduce en ocasiones en la historia principal. Se torna confuso, entonces, distinguir que es ficción y que es realidad dentro del filme. 

Esta forma de narrar fue heredada por realizadores posteriores y aún hoy es utilizada en el cine contemporáneo como una de las tendencias más transgresoras, no hay que olvidar entonces quien fue el pionero arriesgado en experimentar esa especie de narración débil.

La relación con las mujeres también hace parte de las obsesiones presentes en el filme.  Algunas operan como musas inspiradoras, otras como objetos de deseo que reproducen una misma figura simbólica (la saraghina).  Su madre siempre esta presente y hacia ella también surgen una serie de sentimientos edipicos materializados con su esposa que satisface su necesidad de seguridad y protección.

El protagonista representa la crisis creativa por la que suele pasar todo artista.  Es allí, en ese vacío de ideas, donde se vienen a la cabeza una serie de obsesiones pasadas que atormentan su inconsciente y que solo afloran en esos momentos de desazón existencial.  Sumada a esa carencia de energía creativa aparece la presión del medio que le exige satisfacer sus expectativas.  Todas esas sensaciones de bloqueo son las que seguramente experimenta Fellini y que decide aunar a los fantasmas del pasado para dar origen a una trama fragmentada con elementos de la comedia del arte y del neorrealismo.


Título Original: 8½ 
Año: 1963 
Duración: 140 min. 
PAÍS: Italia 
GENERO: Comedia-Drama-Fantasía 
Director : Federico Fellini 
Guión: Tullio Pinelli, Federico Fellini, Ennio Flaiano, Brunello Rondi 
Música: Nino Rota 
Reparto: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Nino Rota 

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28 de agosto de 2010

TESIS: ENTRE EL SORDIDO SNUFF Y LA MARAVILLOSA NARRACIÓN


Un tema tan macabro como la producción y comercialización de las Snuff Movies sirve de base al director Alejandro Amenabar para llevar a cabo su opera prima: TESIS, una autentica pieza de terror dotada del suspenso y la tensión necesarias para mantener al espectador en vilo y crearle una sensación de miedo difícil de superar por algunas horas.  Amenabar emplea magistralmente las técnicas y conocimientos que tiene del cine de genero, para desarrollar lenta y misteriosamente una trama que pese a girar sobre torturas y mutilaciones, termina aislándolas para dar paso al intrincado proceso de esclarecimiento de los hechos.  Además, encontramos a un director poco interesado en ese terror visceral propuesto en otras producciones.  Su verdadero objetivo es el terror psicológico generado con ayuda de la fotografía y, por supuesto, de la música, genialmente compuesta por él, y que, a no ser por su precaria interpretación, hubiese resultado monumental. 

Ángela (Ana Torrent), estudiante de la facultad de ciencias de la información, se encuentra realizando su tesis sobre la violencia audiovisual y en busca de material acude a Figueroa, su director, quien descubre una extraña cinta que le produce la muerte.  Ángela es la primera en verlo y tiene la oportunidad de extraer la cinta que pertenece a una red de producción de Snuff Movies que opera en la universidad, manejada por un profesor y un estudiante.  La protagonista con ayuda de Chema (Fele Martínez), un exótico aficionado a las películas violentas que sabe más de lo que parece sobre la escalofriante cinta, busca descubrir completamente el misterio y sobrevivir a la amenaza latente de los dos asesinos.

TESIS critica duramente la comercialización de la violencia audiovisual, a pesar de no ser esta su principal finalidad.  El chileno-español no tiene que incurrir en la extravagancia que producen en algunos las escenas sangrientas.  Le basta y sobra con unas cuantas imágenes para que el espectador se haga una idea de la magnitud del problema, lo demás corre por cuenta de la construcción de los personajes y de la efectividad indiscutible de la imagen. En conclusión, aunque el tema de las Snuff Movies parece ser un pretexto para desarrollar una magnifica trama de suspenso, el principio y el final del filme constituyen profundas reflexiones acerca de ese instinto humano de contemplar el sufrimiento de otros, por simple curiosidad o posiblemente por morbosa satisfacción.

Amenabar, criticado constantemente por su evidente desarraigo de la tradición cinematográfica española, da origen a una historia bastante universal, dirigida a un publico joven y realizada con los parámetros del cine norteamericano.  Allí está presente la influencia de Hitchcock y otros directores.  La dosificación de la información, el surgimiento de pistas falsas y los cambios repentinos en el curso de investigación sirven para alargar la trama y confundir al espectador, elementos claves del cine de suspenso.  TESIS responde a las necesidades del publico de un ritmo trepidante.  El manejo de técnicas narrativas como la acción retardada y la creación de una atmósfera propicia para los acontecimientos generan una tensión inimaginable como sucede en la escena de la persecución. 

La taquillera y multipremiada TESIS constituye en mi más humilde opinión, una excelente demostración de la pericia del director para contar historias con imágenes.  Su habilidad narrativa es prueba fiel de que no siempre la experiencia es indispensable para realizar una buena producción.  Y en lo que respecta al tema del Snuff, queda claro que Amenabar plantea las reflexiones y es tarea del espectador llevar a cabo el ejercicio mental para comprender esos incómodos aspectos de la naturaleza humana.


Título original: Tesis 
Dirección: Alejandro Amenábar
País: España Año: 1996 
Duración: 120 min. 
Género: Intriga, suspenso 
Reparto:  Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga Idioma: Español (España) 

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22 de agosto de 2010

CIUDAD DE DIOS: VIOLENCIA FÍSICA Y NARRATIVA



Replicando la tendencia del cine latinoamericano de revelar las difíciles condiciones de vida de la población del continente, a través de una cámara, Fernando Meirelles da origen una súper producción en todos los sentidos. Sin nada que envidiarle a un filme hollywoodense, Ciudad de Dios, se erige como el nuevo paradigma del cine brasilero, aprovechando la inmensa tradición cinematográfica que se remonta a la época de cinema nuovo, pero adecuándose a las nuevas necesidades del espectador en materia de narración y representación. 

Ciudad de Dios cuenta de manera concreta pero grandiosa la evolución del crimen organizado en una de las Favelas más peligrosas de Río de Janeiro.  evolución que está arraigada a la vida misma de los habitantes, en especial, a los que empezaron desde la niñez y que, con el paso del tiempo, fueron tomando fuerza para terminar convertidos en grandes capos.  El verdadero personaje de la película es el colectivo, pero, a través de interesantes relatos biográficos, se da una mirada redonda de la situación, buscando, quizás, los motivos de cada uno para su violento accionar. 

La intención del director es realista, pues no maquilla los fuertes episodios de violencia que vinculan, incluso, a pequeños niños que ni siquiera han aprendido a leer.  No obstante, hay una excelente manipulación artística que permite utilizar dichos acontecimientos como elementos de producción estética.  A diferencia de otras nuevas películas de intencionalidad meramente realista, en Ciudad de Dios aparece una clara intervención ordenadora latente en el discurrir del filme. 

El excelente manejo que se le da a  la narración es encomiable debido a otros experimentos cinematográficos que no han salido tan bien librados al utilizar esta singular estructura.  La ruptura de la narración lineal y la acomodación de los flashbacks dependiendo de la perspectiva desde donde se está contando la historia, sugieren un impecable voluntad estética.  Es sorpresiva para el publico la aparición de dicha estructura de una película latinoamericana, teniendo en cuenta el grado de dificultad que comporta cuando no se tienen los recursos económicos suficientes.  Tal vez en Amores Perros se llevo a cabo con éxito, pero en la cinta de Meirelles se elabora con una complejidad mayor, teniendo en cuenta las diferencias en la historia.

Ciudad de Dios es, en pocas palabras, un filme de culto para la nueva ola del cine latinoamericano que lo vera como un ejemplo de trabajo y de esfuerzo difícil de superar.  Será complicado encontrar una película que supere una adaptación tan concreta pero tan sustancial.  Además de una narración transgresora efectuada con tanta precisión.   

Título Original: Cidade de Deus
Año: 2002
País: Brasil
Género: Drama
Director: Fernando Meirelles
Guión: Bráulio Mantovani; basado en la novela de Paolo Lins
Fotografía: César Charlone
Montaje: Daniel Rezende
Vestuario: Bia Salgado e Inés Salgado
Música: Antonio Pinto y Ed Côrtes
Reparto: Matheus Nachtergaele (Sandro Cenoura), Seu Jorge (Mané Galinha), Alexandre Rodríguez (Buscapé), Leandro Firmino da Hora (Zé pequeno), Phellipe Haagensen (Bené), Jonathan Haagensen (Cabeleira), Douglas Silva (Dadinho), Roberta Rodríguez Silvia (Berenice), Gero Camilo (Paraíba), Graziela Moretto (Marina), Renato de Souza (Marreco).
Idioma: Español (España)
Duración: 02:01:49

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14 de agosto de 2010

TAXI DRIVER: UN CRUEL RETRATO DE NEW YORK




Solo un genio del cine como lo es Martín Scorsese podría utilizar la perspectiva de un taxi para darnos a conocer esa nueva york sórdida y abrumadora que aparece en este filme de 1976.   Scorsese se involucra con una de las insignias de Nueva york como lo son los taxistas y, a través de ellos, busca revelar la ciudad descompuesta en que se convirtió la capital del mundo durante la década de los 60 y 70.  Una ciudad llena de drogadictos, ladrones, prostitutas. Una ciudad llena de basura, donde los taxistas son víctimas de la inseguridad y los políticos no piensan para nada en una solución al respecto.  Solo Travis Bickle, interpretado por el inolvidable Robert de Niro, se preocupa por esa peste que ve crecer día a día desde el parabrisas de su taxi. 

La película también envuelve una dura crítica contra el corazón mismo de Norteamérica. Contra la política, la perdida guerra de Vietnam, la liberación sexual y el crecimiento desbordante de las metrópolis.  El ojo crítico de Travis es el encargado de juzgar todos estos aspectos del recién nacido imperio Yankee. 

Al parecer la soledad y la locura se apoderaron de Bickle durante la guerra de Vietnam, pues es claro que su instinto asesino siempre está latente y los espectadores esperan ansiosos el momento en que su ira se desate en un acto de violencia indescriptible y, en efecto, ese momento llega, pues Travis, encarnado en su rol de justiciero, hace gala de sus dotes de ex – marine y acaba con una maraña de gángsteres, especializados en prostituir jovencitas como la espectacular Iris, caracterizada por la entonces pequeña Jodie Foster. 

Taxi driver está llena de valores cinematográficos indudables.  Podríamos empezar con la espectacular música de Bernard Hermann que, con su densidad y exagerada sobriedad, ambienta de una manera casi perfecta la puesta en cuadro de Scorsese.  Además, no se pueden dejar a un lado las destacadas actuaciones de Harvey Keitel, Leonard Harris y Cybill Sheperd, en el papel de la orgullosa Betsy.

 La violencia del filme ha sido duramente cuestionada, pero ¿acaso olvidamos que todas las obras maestras de Scorsese están plagadas de  sangre y crueldad? Seguramente nadie se atrevería a decir que por eso han dejado de serlo y como el mismo director lo expresó hace algunos años “son las personas las que matan a la gente, no las películas”.

Sería una estupidez, entonces, despreciar una pieza de la magnitud de Taxi driver solo por las escenas violentas, pues ellas son necesarias para acabar de formar ese increíble y cruel retrato de una ciudad que no se cansa de ser tocada por la violencia.


Título original: Taxi Driver
Dirección: Martin Scorsese
País: USA
Año: 1976
Duración: 113 min.
Género: drama, thriller
Reparto: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese



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13 de agosto de 2010

THE KILLING ,UNA LECCIÓN DE PERFECCION NARRATIVA













Tal vez sea esta la película que nos permite evidenciar la magnitud de Stanley Kubrick en el mundo del cine.  Todos conocemos sus  mas renombrados filmes poblados de un gigantesco éxito comercial, pero desconocemos muchos otros que poseen un valor inestimable debido a su maravillosa construcción en todos los aspectos: puesta en cuadro, puesta en escena y puesta en serie.  Uno de ellos es Atraco perfecto que posee un guión bastante sólido llevado a la cámara con una precisión sorprendente dada la dificultad de la estrategia narrativa empleada.

La influencia de la literatura de Faulkner al momento de utilizar la narración construida a partir de los puntos de vista resultó seguramente fundamental para Kubrick.  Lo que se destaca es la perfección lograda en el primer intento completo llevado a cabo en el cine.  Kubrick tuvo en cuenta todos los detalles para que una película transgresora como esta no dejara al espectador sumido en una confusión seguramente intolerada en los años sesenta.  Recursos como el narrador de la voz en off que termina subordinando las demás narraciones permiten una credibilidad que a la vez le brinda tranquilidad al espectador.  Hoy en día esta estrategia es bastante utilizada pero se omite por supuesto esa voz principal pues la idea de la posmodernidad en el cine es, en la mayoría de ocasiones, la confusión. 

Kubrick sabia que en su momento histórico este tipo de narración iba a ser controversial teniendo en cuenta el predominio de la linealidad, aunque ya se manejaban algunas rupturas temporales.  Es por eso que hace redonda la historia y cierra todas las narraciones en una sola.


La precisión del atraco se convierte en una metáfora de la precisión de la narración del filme.  Se nos permite verlo completo, sin ninguna omisión de información lo que lo hace aún mas perfecto.  El calculo de los tiempos, la causalidad de algunos sucesos para provocar otros es lo que vemos exactamente en la narración, una precisión de principio a fin.

Hay también un proceso de transformación en los personajes.  Sterling Hayden empieza siendo la mente brillante y valiente que planea y ejecuta gran parte del atraco, finalmente termina incauto con su rostro de malvado desfigurado por la tristeza al ver volar su botín por los aires.  Por su parte, el vendedor de taquilla que era una pieza mas en el intrincado proceso, terminó siendo el que desbarató la precisión de ese reloj suizo tan delicadamente construido por Hayden.  Todo en este filme es perfecto, menos, paradójicamente, la conclusión del atraco.


TITULO ORIGINAL The Killing 
AÑO 1956 
DURACIÓN 83 min. 
PAÍS Usa 
DIRECTOR Stanley Kubrick 
GUIÓN Stanley Kubrick (Novela: Lionel White. Diálogos: Jim Thompson) 
MÚSICA Gerald Fried 
FOTOGRAFÍA Lucien Ballard (ByN) 
REPARTO Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Jay C. Flippen, Marie Windsor, Ted DeCorsia, Elisha Cook, Joe Sawyer, Timothy Carey, Jay Adler, Joe Turkel, Kola Kwarian, James Edwards, Tito Vuolo, Cecil Elliott, Dorothy Adams, Herbert Ellis, Pary Carroll 
PRODUCTORA MGM / UA 
GÉNERO Suspense

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