TESIS: ENTRE EL SORDIDO SNUFF Y LA MARAVILLOSA NARRACIÓN

Un tema tan macabro como la producción y comercialización de las Snuff Movies sirve de base al director Alejandro Amenabar para llevar a cabo su opera prima: TESIS, una autentica pieza de terror dotada del suspenso y la tensión necesarias para mantener al espectador en vilo y crearle una sensación de miedo difícil de superar por algunas horas.  Amenabar emplea magistralmente las técnicas y conocimientos que tiene del cine de genero, para desarrollar lenta y misteriosamente una trama que pese a girar sobre torturas y mutilaciones, termina aislándolas para dar paso al intrincado proceso de esclarecimiento de los hechos.  Además, encontramos a un director poco interesado en ese terror visceral propuesto en otras producciones.  Su verdadero objetivo es el terror psicológico generado con ayuda de la fotografía y, por supuesto, de la música, genialmente compuesta por él, y que, a no ser por su precaria interpretación, hubiese resultado monumental. 

Ángela (Ana Torrent), estudiante de la facultad de ciencias de la información, se encuentra realizando su tesis sobre la violencia audiovisual y en busca de material acude a Figueroa, su director, quien descubre una extraña cinta que le produce la muerte.  Ángela es la primera en verlo y tiene la oportunidad de extraer la cinta que pertenece a una red de producción de Snuff Movies que opera en la universidad, manejada por un profesor y un estudiante.  La protagonista con ayuda de Chema (Fele Martínez), un exótico aficionado a las películas violentas que sabe más de lo que parece sobre la escalofriante cinta, busca descubrir completamente el misterio y sobrevivir a la amenaza latente de los dos asesinos.

TESIS critica duramente la comercialización de la violencia audiovisual, a pesar de no ser esta su principal finalidad.  El chileno-español no tiene que incurrir en la extravagancia que producen en algunos las escenas sangrientas.  Le basta y sobra con unas cuantas imágenes para que el espectador se haga una idea de la magnitud del problema, lo demás corre por cuenta de la construcción de los personajes y de la efectividad indiscutible de la imagen. En conclusión, aunque el tema de las Snuff Movies parece ser un pretexto para desarrollar una magnifica trama de suspenso, el principio y el final del filme constituyen profundas reflexiones acerca de ese instinto humano de contemplar el sufrimiento de otros, por simple curiosidad o posiblemente por morbosa satisfacción.

Amenabar, criticado constantemente por su evidente desarraigo de la tradición cinematográfica española, da origen a una historia bastante universal, dirigida a un publico joven y realizada con los parámetros del cine norteamericano.  Allí está presente la influencia de Hitchcock y otros directores.  La dosificación de la información, el surgimiento de pistas falsas y los cambios repentinos en el curso de investigación sirven para alargar la trama y confundir al espectador, elementos claves del cine de suspenso.  TESIS responde a las necesidades del publico de un ritmo trepidante.  El manejo de técnicas narrativas como la acción retardada y la creación de una atmósfera propicia para los acontecimientos generan una tensión inimaginable como sucede en la escena de la persecución. 

La taquillera y multipremiada TESIS constituye en mi más humilde opinión, una excelente demostración de la pericia del director para contar historias con imágenes.  Su habilidad narrativa es prueba fiel de que no siempre la experiencia es indispensable para realizar una buena producción.  Y en lo que respecta al tema del Snuff, queda claro que Amenabar plantea las reflexiones y es tarea del espectador llevar a cabo el ejercicio mental para comprender esos incómodos aspectos de la naturaleza humana.

Título original: Tesis 

Dirección: Alejandro Amenábar

País: España Año: 1996 

Duración: 120 min. 

Género: Intriga, suspenso 

Reparto:  Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga Idioma: Español (España) 

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CIUDAD DE DIOS: VIOLENCIA FÍSICA Y NARRATIVA

Replicando la tendencia del cine latinoamericano de revelar las difíciles condiciones de vida de la población del continente, a través de una cámara, Fernando Meirelles da origen una súper producción en todos los sentidos. Sin nada que envidiarle a un filme hollywoodense, Ciudad de Dios, se erige como el nuevo paradigma del cine brasilero, aprovechando la inmensa tradición cinematográfica que se remonta a la época de cinema nuovo, pero adecuándose a las nuevas necesidades del espectador en materia de narración y representación. 

Ciudad de Dios cuenta de manera concreta pero grandiosa la evolución del crimen organizado en una de las Favelas más peligrosas de Río de Janeiro.  evolución que está arraigada a la vida misma de los habitantes, en especial, a los que empezaron desde la niñez y que, con el paso del tiempo, fueron tomando fuerza para terminar convertidos en grandes capos.  El verdadero personaje de la película es el colectivo, pero, a través de interesantes relatos biográficos, se da una mirada redonda de la situación, buscando, quizás, los motivos de cada uno para su violento accionar. 

La intención del director es realista, pues no maquilla los fuertes episodios de violencia que vinculan, incluso, a pequeños niños que ni siquiera han aprendido a leer.  No obstante, hay una excelente manipulación artística que permite utilizar dichos acontecimientos como elementos de producción estética.  A diferencia de otras nuevas películas de intencionalidad meramente realista, en Ciudad de Dios aparece una clara intervención ordenadora latente en el discurrir del filme. 

El excelente manejo que se le da a  la narración es encomiable debido a otros experimentos cinematográficos que no han salido tan bien librados al utilizar esta singular estructura.  La ruptura de la narración lineal y la acomodación de los flashbacks dependiendo de la perspectiva desde donde se está contando la historia, sugieren un impecable voluntad estética.  Es sorpresiva para el publico la aparición de dicha estructura de una película latinoamericana, teniendo en cuenta el grado de dificultad que comporta cuando no se tienen los recursos económicos suficientes.  Tal vez en Amores Perros se llevo a cabo con éxito, pero en la cinta de Meirelles se elabora con una complejidad mayor, teniendo en cuenta las diferencias en la historia.

Ciudad de Dios es, en pocas palabras, un filme de culto para la nueva ola del cine latinoamericano que lo vera como un ejemplo de trabajo y de esfuerzo difícil de superar.  Será complicado encontrar una película que supere una adaptación tan concreta pero tan sustancial.  Además de una narración transgresora efectuada con tanta precisión.   

Título Original: Cidade de Deus
Año: 2002
País: Brasil
Género: Drama
Director: Fernando Meirelles
Guión: Bráulio Mantovani; basado en la novela de Paolo Lins
Fotografía: César Charlone
Montaje: Daniel Rezende
Vestuario: Bia Salgado e Inés Salgado
Música: Antonio Pinto y Ed Côrtes
Reparto: Matheus Nachtergaele (Sandro Cenoura), Seu Jorge (Mané Galinha), Alexandre Rodríguez (Buscapé), Leandro Firmino da Hora (Zé pequeno), Phellipe Haagensen (Bené), Jonathan Haagensen (Cabeleira), Douglas Silva (Dadinho), Roberta Rodríguez Silvia (Berenice), Gero Camilo (Paraíba), Graziela Moretto (Marina), Renato de Souza (Marreco).
Idioma: Español (España)
Duración: 02:01:49

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TAXI DRIVER: UN CRUEL RETRATO DE NEW YORK

Solo un genio del cine como lo es Martín Scorsese podría utilizar la perspectiva de un taxi para darnos a conocer esa nueva york sórdida y abrumadora que aparece en este filme de 1976.   Scorsese se involucra con una de las insignias de Nueva york como lo son los taxistas y, a través de ellos, busca revelar la ciudad descompuesta en que se convirtió la capital del mundo durante la década de los 60 y 70.  Una ciudad llena de drogadictos, ladrones, prostitutas. Una ciudad llena de basura, donde los taxistas son víctimas de la inseguridad y los políticos no piensan para nada en una solución al respecto.  Solo Travis Bickle, interpretado por el inolvidable Robert de Niro, se preocupa por esa peste que ve crecer día a día desde el parabrisas de su taxi. 

La película también envuelve una dura crítica contra el corazón mismo de Norteamérica. Contra la política, la perdida guerra de Vietnam, la liberación sexual y el crecimiento desbordante de las metrópolis.  El ojo crítico de Travis es el encargado de juzgar todos estos aspectos del recién nacido imperio Yankee. 

Al parecer la soledad y la locura se apoderaron de Bickle durante la guerra de Vietnam, pues es claro que su instinto asesino siempre está latente y los espectadores esperan ansiosos el momento en que su ira se desate en un acto de violencia indescriptible y, en efecto, ese momento llega, pues Travis, encarnado en su rol de justiciero, hace gala de sus dotes de ex – marine y acaba con una maraña de gángsteres, especializados en prostituir jovencitas como la espectacular Iris, caracterizada por la entonces pequeña Jodie Foster. 

Taxi driver está llena de valores cinematográficos indudables.  Podríamos empezar con la espectacular música de Bernard Hermann que, con su densidad y exagerada sobriedad, ambienta de una manera casi perfecta la puesta en cuadro de Scorsese.  Además, no se pueden dejar a un lado las destacadas actuaciones de Harvey Keitel, Leonard Harris y Cybill Sheperd, en el papel de la orgullosa Betsy.

 La violencia del filme ha sido duramente cuestionada, pero ¿acaso olvidamos que todas las obras maestras de Scorsese están plagadas de  sangre y crueldad? Seguramente nadie se atrevería a decir que por eso han dejado de serlo y como el mismo director lo expresó hace algunos años “son las personas las que matan a la gente, no las películas”.

Sería una estupidez, entonces, despreciar una pieza de la magnitud de Taxi driver solo por las escenas violentas, pues ellas son necesarias para acabar de formar ese increíble y cruel retrato de una ciudad que no se cansa de ser tocada por la violencia.


Título original: Taxi Driver
Dirección: Martin Scorsese
País: USA
Año: 1976
Duración: 113 min.
Género: drama, thriller
Reparto: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese


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THE KILLING ,UNA LECCIÓN DE PERFECCION NARRATIVA

Tal vez sea esta la película que nos permite evidenciar la magnitud de Stanley Kubrick en el mundo del cine.  Todos conocemos sus  mas renombrados filmes poblados de un gigantesco éxito comercial, pero desconocemos muchos otros que poseen un valor inestimable debido a su maravillosa construcción en todos los aspectos: puesta en cuadro, puesta en escena y puesta en serie.  Uno de ellos es Atraco perfecto que posee un guión bastante sólido llevado a la cámara con una precisión sorprendente dada la dificultad de la estrategia narrativa empleada.

La influencia de la literatura de Faulkner al momento de utilizar la narración construida a partir de los puntos de vista resultó seguramente fundamental para Kubrick.  Lo que se destaca es la perfección lograda en el primer intento completo llevado a cabo en el cine.  Kubrick tuvo en cuenta todos los detalles para que una película transgresora como esta no dejara al espectador sumido en una confusión seguramente intolerada en los años sesenta.  Recursos como el narrador de la voz en off que termina subordinando las demás narraciones permiten una credibilidad que a la vez le brinda tranquilidad al espectador.  Hoy en día esta estrategia es bastante utilizada pero se omite por supuesto esa voz principal pues la idea de la posmodernidad en el cine es, en la mayoría de ocasiones, la confusión. 

Kubrick sabia que en su momento histórico este tipo de narración iba a ser controversial teniendo en cuenta el predominio de la linealidad, aunque ya se manejaban algunas rupturas temporales.  Es por eso que hace redonda la historia y cierra todas las narraciones en una sola.

La precisión del atraco se convierte en una metáfora de la precisión de la narración del filme.  Se nos permite verlo completo, sin ninguna omisión de información lo que lo hace aún mas perfecto.  El calculo de los tiempos, la causalidad de algunos sucesos para provocar otros es lo que vemos exactamente en la narración, una precisión de principio a fin.

Hay también un proceso de transformación en los personajes.  Sterling Hayden empieza siendo la mente brillante y valiente que planea y ejecuta gran parte del atraco, finalmente termina incauto con su rostro de malvado desfigurado por la tristeza al ver volar su botín por los aires.  Por su parte, el vendedor de taquilla que era una pieza mas en el intrincado proceso, terminó siendo el que desbarató la precisión de ese reloj suizo tan delicadamente construido por Hayden.  Todo en este filme es perfecto, menos, paradójicamente, la conclusión del atraco.

TITULO ORIGINAL The Killing 
AÑO 1956 
DURACIÓN 83 min. 
PAÍS Usa 
DIRECTOR Stanley Kubrick 
GUIÓN Stanley Kubrick (Novela: Lionel White. Diálogos: Jim Thompson) 
MÚSICA Gerald Fried 
FOTOGRAFÍA Lucien Ballard (ByN) 
REPARTO Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Jay C. Flippen, Marie Windsor, Ted DeCorsia, Elisha Cook, Joe Sawyer, Timothy Carey, Jay Adler, Joe Turkel, Kola Kwarian, James Edwards, Tito Vuolo, Cecil Elliott, Dorothy Adams, Herbert Ellis, Pary Carroll 
PRODUCTORA MGM / UA 
GÉNERO Suspense

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