25 de junio de 2011

DIOS Y EL DIABLO EN LA TIERRA DEL SOL: LA AGRESIVIDAD DEL LENGUAJE VISUAL



Glauber Rocha, el vanguardista representante del cinema novo, nos retrata, a través de la historia de Manuel y Rosa, un par de campesinos del Sertão, las luchas intestinas que se viven en el campo brasileño.  Luchas de poder y revolución donde intervienen la iglesia, el gobierno y los bandoleros.  Todo esto entremezclado con una serie de tradiciones exacerbadas que tienen que ver con la música y el folclor popular, sin dejar a un lado las presencias míticas que sorprendentemente se mantienen.

El filme es ante todo un retrato de la injusticia, pues empieza con una muestra del poder de los grandes hacendados en detrimento de la economía del campesino.  De dicha situación se desprende una travesía que, además de física, se torna espiritual cuando se encuentran con aquel ídolo místico que encarna la rebelión del pueblo contra la iglesia y contra el estado; la primacía del dios cultural sobre el dios institucional.

Ese recorrido psíquico y mitológico por los campos brasileros vuelve de nuevo a la lucha revolucionaria al aparecer la figura de Corisco que se erige como el sanguinario bandolero poseído de odio y de locura hacia el gobierno.  Corisco es un campesino mas, pero simboliza como ningún otro el folclor popular.  Lo vemos en su vestimenta, en sus bailes y rituales, en su forma de ver el mundo.


Es allí cuando entran a jugar subjetivamente las decisiones en el montaje.  La superposición de imágenes de los campesinos embebidos en sus rituales.  El ritmo trepidante del exterminio de los mismos por parte de esa figura opresora pero al mismo tiempo liberadora que es Antonio Das Mortes.  La belleza de la fotografía que configura esa tierra del sol que es el Sertão como una tierra árida donde no crecen sino odios.  El manejo de la luz, una luz con sombras fuertes donde el cielo aparece quemado.


El cine de Glauber Rocha y en especial esta película actúan como un despertador sensorial.  Algo muy parecido al puñetazo visual de Eisenstein.  Es un cine cargado de energía, de violencia.  Cine que excita pero que no permite descargar emociones.  Cine anárquico y de critica, pero no de manifiesto ni de discurso.  Cine que aprovecha su aspereza visual para llegar al espectador.  

FICHA TECNICA:

Título Original: Deus e o Diabo na Terra do Sol
Año: 1964
País: Brasil
Género: Western. Aventura. Drama.
Director: Glauber Rocha
Guión: Glauber Rocha
Actores: Geraldo Del Rey,  Yoná Magalhães,  Othon Bastos,  Maurício do Valle,  Lidio Silva,  Sonia Dos Humildes,  João Gama,  Antônio Pinto,  Milton Rosa,  Roque Santos
Duración: 
01:58:51



DESCARGAR: 

26 de marzo de 2011

LOS CUATROCIENTOS GOLPES: UNA MIRADA REALISTA A LA INFANCIA



Una de las películas inaugurales de lo que se llamaría la Nouvelle Vague constituye, a mi parecer, la más sensible mirada que se haya hecho en el cine hacia el tema de la rebelión infantil y pre-juvenil.  Antoine Doinel, su protagonista, encarna todos las valores del héroe revolucionario típico de su época, a pesar de tener tan solo catorce años.

Su profundidad temática, la increíble actuación de sus protagonistas y una intensa realización la colocan en un lugar superior respecto a otras películas que se han encargado de mostrar la realidad de la infancia en dicho momento histórico.

Francois Truffaut experimenta a través de ella esa necesidad de un cine personal que tanto evoco en su etapa de critico.  Pese a no ser completamente autobiográfico, el filme si contiene algunos sucesos similares a la convulsiva época adolescente del director, pues recordemos que este creció con su abuela y estuvo recluido en un centro de menores delincuentes del cual fue rescatado por Andre Bazin.

Aunque es indudablemente encomiable la realización efectuada por Truffaut, resulta imposible dejar a un lado la colaboración hecha en el guión por Marcel Moussy, pues la construcción de los personajes secundarios es la que permite que Antoine adquiera mas fuerza.  La actitud de sus padres, por ejemplo, es la que justifica gran cantidad de sus acciones.  No obstante, la magia del filme radica en que no permite una visión totalitaria pues, en ocasiones, Antoine se erige como un autentico rebelde sin causa.

La película dirige también su critica hacia los mecanismos de regulación y disciplina.  La escuela asume un papel fundamental en la historia pues es la que pone en escena la imagen de la ley y la vigilancia.  Igualmente, el centro de menores delincuentes donde es recluido Antoine representa otro ejemplo del surgimiento de las sociedades disciplinarias donde el individuo pasa de un espacio cerrado a otro. Truffaut coloca a Antoine como un desafió a estas reglas de vigilancia jerárquica y juicios normalizadores lo que lo iguala a pensadores de la talla de Foucault y Deleuze.

Los cuatrocientos golpes no es mas que una mirada realista a las vivencias de un niño que se rehúsa a adaptarse a ciertos mecanismos de control.  Y digo mirada realista con todos los compromisos que ella implica, pues no hay ni juicios ni valoraciones, solo una cámara impecable dispuesta a calcar la realidad. 

FICHA TECNICA:

  Les quatre cents coups
  FRA
  1959
  97 min
 
  Biográfica
  Color
Director:François Truffaut
Guión:François Truffaut, Marcel Moussy
Intérpretes:Albert Rémy, Francois Truffaut


DESCARGAR:


26 de febrero de 2011

LA VENDEDORA DE ROSAS ¿VOLUNTAD REALISTA?



Diez años después de su experimental Rodrigo D. No futuro, Víctor Gaviria repite el mismo esquema en su afamada La vendedora de rosas que, basada en una historia infantil de Hans Christian Andersen, se centra en las peripecias de una joven vendedora de flores, habitante de los sectores más marginales de Medellín.  No obstante, su mirada se extiende hacia toda la masa de niños y jóvenes inmersos en ese mundo de violencia, drogas y miseria.   

La de Víctor Gaviria es una representación tan descarnada como la realidad misma.  Tal vez a eso se deban las constantes criticas que se le han formulado, acusándolo de productor de pornomiseria, pues la crudeza del filme parece insinuar una exageración antiestética de los acontecimientos.  Obviamente se genera en el espectador un choque emocional inimaginable, choque que se atribuye a la ausencia de moralidad y a la violencia lingüística exacerbada de la representación. Sin embargo, parece que se ignora que eso es lo que sucede con aquellas sociedades anomicas y que lo que intenta el director es una fiel reproducción de las formas de vida, teniendo como base una ficción argumental.  En ese sentido, sí hay que destacar la debilidad del guión, pero la causa de esto es, quizá, la importancia que se la da a los sujetos representados y el hecho de que el trasfondo argumental no sea más que una simple excusa para descartar la posibilidad de un documental.
  
     Todo el cine de Gaviria está marcado por una ética clara de representación.  Esta consiste en una voluntad realista que busca, a través de la construcción colectiva de relatos fílmicos, definir una realidad fragmentaria a partir de la voz misma de sus protagonistas. Gaviria asume una neutralidad donde la imagen es la única que habla.  Rechaza la traducción de la realidad en un discurso político o antropológico que busque reflexionar y criticar la realidad, o bien darle explicaciones académicas.  Su intervención no es mas que organizativa, escapando a cualquier tentación de manipular la imagen en procura de generar discursos propios.  Confía plenamente en la eficacia de la representación fiel como productora de sentido.  No busca corregir expresiones coloquiales, disciplinar jóvenes delincuentes ni rehabilitar drogadictos.  Su interés radica en todas esas manifestaciones de la descomposición social y se considera el elegido para mostrarlas al mundo, pero no para acabar con ellas.  Resulta complicado definir esta como una intervención artística teniendo en cuenta que prevalece el compromiso ético ante el estético.

Titulo: La Vendedora de Rosas
Director: Victor Gaviria
Pais: Colombia
Año: 1998
Genero: Drama
Reparto: Leidy Tabares (Mónica) , Marta Correa (Judy), Mileider Gil (Andrea), Diana Murillo (Cachetona), Liliana Giraldo (Claudia), Alex Bedoya (Milton), Giovanni Quiroz (El Zarco)

Descargar:



6 de enero de 2011

TEOREMA: DE LO PANFLETARIO A LO ESPIRITUAL



El compromiso artístico de Pier Paolo Pasolini con la causa revolucionaria y comunista de su tiempo pudo ser la razón de un film sobre las angustias de la clase burguesa.  No obstante, la diatriba muestra la genialidad del director, pues utiliza un recurso bastante interesante que le permite con toda libertad despojar de su seguridad a una serie de individuos para los cuales la vida transcurre con normalidad.  El recurso es nada mas y nada menos que la llegada de una presencia divina materializada en un hombre joven dispuesto a entregar amor pero también a develar las necesidades y traumas ocultos de toda la familia.

Como un miembro mas del grupo, el muchacho despierta ciertos sentimientos que nos dan cuenta de la vida interior de cada uno.  La madre, una mujer necesitada de cariño y que se muestra inconforme con el marido que tiene.  La hija, una estudiante obsesionada con una posible carencia de su padre.  El hijo, un artista en ciernes con vestigios de homosexualidad.  Y finalmente el padre, un empresario que siente en el peso de la conciencia el abuso a sus obreros. 

La narración es bastante sencilla y abundan los silencios simbólicos.  Se busca siempre una exploración de la interioridad de los personajes sin preocuparse por hacer notar la representación.  No abundan los diálogos pero cada uno de ellos es fundamental para la comprensión de la vida interna que estallara tras la ausencia de ese sujeto divino.  La estadía del muchacho en la casa mantiene un equilibrio, pese a que los acontecimientos que suceden durante esta no son precisamente los normales dentro de una familia. 

La critica a la burguesía se hace explicita al contemplar las reacciones de cada uno de los miembros de la familia.  Todos terminan mal; la madre buscando jóvenes que le recuerden la satisfacción del visitante, la hija se duerme en un trance agónico, el hijo se desata en manifestaciones artísticas controvertidas y el padre se despoja de todas sus posesiones materiales para acabar desnudo en el desierto.  La única que acaba en una actitud positiva es la sirvienta pues es investida de una capacidad para realizar milagros.  Esto nos sugiere la bondad del proletario y su lucha colectiva a favor de sus compañeros de clase a diferencia del burgués egoísta que solo piensa en su bienestar particular. 

La magia del filme radica en la capacidad para hacer sincréticos tanto la visión de la religión como la critica a la mentalidad burguesa.  Pasolini pudo fácilmente llevar a cabo un mal panfleto como tantos que existen en el mundo del arte, pero le añade a su obra una interpretación sobre dios y sobre las consecuencias que acarrearía una posible visita suya.  No hay duda de que el director es fiel a la tradición clásica o acaso se diferencia en algo de un trágico Deux ex machina.

Ficha Técnica:

Título Original: Teorema
Año: 1968
País: Italia
Género: Drama
Director: Pier Paolo Pasolini
Guión: Pier Paolo Pasolini
Actores: Terence Stamp,  Silvana Mangano,  Massimo Girotti,  Anne Wiazemsky,  Ninetto Davoli,  Laura Betti
Duración: 01:34:09

Descargar:

21 de noviembre de 2010

EL TAMBOR DE HOJALATA: UN GRAN CLASICO DE LA LITERATURA EN EL CINE



Reconocemos a Volker Schlöndorff como una de las mas importantes figuras del nuevo cine alemán al lado de otros grandes directores como Werner Herzog y Wim Wenders. Los tres encabezaron el movimiento de renovación en que incurrió el cine teutón en los años sesenta, no obstante, Schlöndorff mantuvo siempre una estética realista alejada de la experimentación. Pese a esto, el director de “El joven Törless” se constituye como el adalid de un nuevo cine que abandono tajantemente la influencia clásica del expresionismo.

Esa actitud visionaria de Schlöndorff se atribuye a su formación en el instituto de altos estudios cinematográficos en Francia, además de su labor como asistente de Alain Resnais. Sus primeras experiencias cinematográficas llevadas a cabo en pleno auge de la Nouvelle Vague sin duda alguna removieron su intención de despojarse del clasicismo a la hora de hacer su propio cine.

La complejidad del cine de Schlöndorff se debe indudablemente a su estrecha relación con la literatura. Se encargo de reproducir en la pantalla obras de Robert Musil, Bertolt Brecht, Marguerite Yourcenar, entre otros; sin embargo la adaptación mas recordada es la que hizo de la novela de Gunter Grass, El tambor de hojalata.

La película constituye senda critica realista a la época del ascenso, dominio y caída del imperio nazi. Su novedad radica en que la mirada a ese mundo de catástrofe es hecha por un niño que a los tres años decide detener su crecimiento para no convertirse en esa imagen de adulto que le han dado sus padres. Se aferra entonces a su tambor de hojalata que, acompañado de su estrepitosa voz aguda, se convierte en una poderosa arma para hacerse escuchar. Esa habilidad es la que le permite recorrer Europa dándonos a conocer todo lo que sucede con los nazis.

La historia familiar inicia en una época de guerra pues su abuelo es victima también de la persecución militar. La madre de Oskar representa la ambigüedad del pueblo de Danzig (donde conviven alemanes polacos y judíos) al casarse con un militar nazi y sostener un romance con su primo polaco. Con la ocupación rusa y el fin de la guerra, seguido de la muerte de su padre, Oskar decide ante su tumba volver a crecer lo que simboliza el renacimiento del pueblo alemán.

El filme cargado de un ambiente negro típicamente expresionista y con matices de surrealismo, se convierte en una de las grandes miradas a ese oscuro periodo histórico. La adaptación de Schlöndorff enriqueció la opinión que se tenia de la novela de Grass y ayudo a reconocer su grandeza lo que veinte años mas adelante le permitiría recibir con orgullo el premio Nóbel de literatura.

Título Original: Die Blechtrommel
Director: Volker Schlöndorff
Año: 1979
País: Alemania
Título en español: El Tambor de Hojalata
Duración: 142 minutos
Guión: Jean-Claude Carrière, Franz Seitz, Volker Schlöndorff (Novela: Günter Grass)
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Igor Luther
Reparto: David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, Charles Aznavour, Andrea Ferréol, Heinz Bennent
Genero: Drama
Idioma: Alemán

Descargar:

7 de noviembre de 2010

LOS OLVIDADOS, LA CRUDA MIRADA DE UN ESPAÑOL


Hacia la segunda mitad del siglo XX, las urbes latinoamericanas se encuentran en un trepidante proceso de formación.  Proceso en el cual la brecha entre clases sociales empieza a hacerse mucho más grande, dando pie al surgimiento de cinturones de miseria que se convierten en la vergüenza de la población mas favorecida. 

Dicha vergüenza no permitía que las artes y mucho menos el cine efectuaran el más mínimo acercamiento hacia esa realidad oculta, pues se ponía en riesgo tanto la buena imagen de las naciones como la buena gestión de los gobiernos. 

Esta situación se vivía claramente en México donde los realizadores nacionales tenían el ojo puesto en otras historias dándole la espalda al pueblo que suplicaba tácitamente una corta aparición en escena que suscitara la compasión y la bondad de la comunidad internacional.  Pero no, en México el cine era un medio de evasión y no una maquina para pensar.

Es allí cuando aparece Luis Buñuel y voltea la cara hacia los suburbios urbanos para realizar junto a Luis Alcoriza una cruda denuncia social que despertara al pueblo mexicano. 

Los olvidados pone en escena a los niños de los arrabales.  Niños sin apoyo familiar que descargan su rencor social por medio de actos vandálicos.  Niños que, como el Jaibo, viven en conflicto con los demás y poseen una capacidad vengadora típica de la ley de la calle.

Es la primera vez en el cine que los niños ocupan un rol tan importante. Cada uno de ellos opera como un símbolo diferente.  Pedro, es el niño abandonado que busca escapar de su realidad, pero que se da cuenta de que no puede hacerlo porque el crimen lo persigue incesantemente.  El ojitos es el símbolo de la infancia abandonada que siempre esta esperando que regresen sus padres pero que finalmente termina siendo explotada. 

Pero no solo los niños están cargados de significación.  El músico ciego simboliza al pueblo opresor que no le interesa construir una sociedad igualitaria sino exterminar a los que considera delincuentes y no victimas.  Por su parte, la madre de Pedro representa a las madres solteras que traen hijos al mundo a sufrir y que no se preocupan por darles cariño pues piensan que bastante hacen alimentándolos.

Los olvidados tiene también vestigios de surrealismo pues el sueño adquiere un papel trascendental en la conciencia de Pedro. Y que decir de las dosis de erotismo que nos brinda el director como la leche derramada sobre los muslos de la muchacha y las candentes miradas entre el Jaibo y la madre de Pedro.

La película constituye el primer acercamiento del cine latinoamericano a su propia realidad.  Tendencia que aun se mantiene en películas como Ciudad de Dios y La vendedora de rosas A través de ella, Buñuel ejerce una cruda critica contra el espectador que se negó, durante tanto tiempo, la oportunidad de conocer la otra cara de su país.  El huevo que lanza Pedro contra la cámara representa eso, una agresión contra la sociedad que los mantiene ocultos, una descarga de ira contra los opresores y los indiferentes.   

Titulo:Los olvidados
Año:1950
Duración:88 min.
País:Mexico
Director:Luis Buñuel
Guion:Luis Buñuel, Luis Alcoriza, Oscar Dancigers
Música:Gustavo Pitaluga
Fotografía:Gabriel Figueroa
Reparto:Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Estela Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina
Productora:Ultramar Films
Premios:1951: Cannes: Mejor Director

Descargar:
http://www.megaupload.com/?d=5L6ZCFXX

23 de octubre de 2010

EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES: EL MUNDO OCULTO DE HOLLYWOOD


Para muchos amantes del cine, la llegada del sonido representó una ruptura bastante positiva que le permitió a Hollywood alcanzar un éxito mucho mayor del que ya ostentaba con sus maravillosas películas mudas.  No obstante, es indudable la contribución de dicho avance técnico en el detrimento de grandes figuras de los años veinte que fueron literalmente relegadas, algunas por su avanzada edad (cosa que aún sucede) y otras por no cumplir con los patrones de un nuevo cine en el que la expresividad ya no era tan necesaria.

Billy Wilder es el único que se atreve a denunciar la crueldad con que fueron tratadas estas grandes estrellas, pese a tener en su contra una avalancha de criticas por parte de algunos de los miembros de la industria cinematográfica mas poderosa del planeta.

Sin embargo, la controvertida Sunset Boulevard se ha convertido en un icono en la historia del cine demostrando la calidad y pertinencia de esas estrellas mudas que fueron descartadas tras el arribo del sonido.  Gloria Swanson se personifica a ella misma pero asumiendo el nombre de Norma Desmond,  una actriz que vive encerrada en su mansión en medio de una opulencia que nos recuerda las grandes despliegues del cine mudo.  Su único consuelo es el juego de las cartas con otras figuras igual de importantes a ella, como Búster Keaton, que experimentaron una aparatosa caída del pedestal de la fama.  Anclada en su vida pasada, Norma se pasa el tiempo contemplando sus gloriosas películas en un pequeño teatro en la sala de su casa, acompañada por su mayordomo Max quien al final nos confiesa ser uno de sus grandes directores, interpretado nada menos que por Erich Von Stroheim, otra olvidada estrella de este periodo.

Es la llegada de un escritor a su mansión la que revive sus esperanzas tanto sentimentales como actorales, pues le confía su idea de un guión en el que ella será la protagonista principal.  Joe Gillis quien narra la historia desde su lecho de muerto, una piscina, representa para esa otoñal figura la posibilidad de retornar a un mundo que ya no prescinde de ella, como nos podemos dar cuenta con su visita al estudio de Paramount donde Cecil B. De Mille, quien la lanzó a la fama, sufre al tener que decirle que su época dorada terminó hace mucho rato.  No obstante, Norma sigue convencida de su mundo de mentira, un mundo donde sus fanáticos le envían cientos de cartas todos los días, un mundo donde las llamadas de la Paramount son para confirmarle la aprobación de su película y no para pedirle alquilado su viejo automóvil.  Mundo de mentira mantenido por Max que, haciendo gala de sus dotes de director, convierte el ocaso de su amada en una puesta en escena de la que solo ella esta convencida. 

Sunset Boulevard además de una critica a ese lado oscuro de Hollywood, es una muestra de magnifica calidad, pues hay que tener en cuenta las libertades narrativas (poner a un muerto de narrador) en que incurre y de las cuales solo pueden salir avantes los genios como Wilder.  También se destacan los contrastes actorales de las figuras frescas como Betty y el maravilloso estilo expresivo de Gloria Swanson, propio de un cine carente de diálogos.  ¿Acaso alguien podrá olvidar algún día ese descenso por las escaleras que tiene tanto de decadente como de sublime?.

TÍTULO ORIGINAL Sunset Boulevard
AÑO 1950
DURACIÓN 110 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Billy Wilder
GUIÓN Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.
MÚSICA Franz Waxman
FOTOGRAFÍA John F. Seitz (B&W)
REPARTO William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner, Franklyn Farnum
PRODUCTORA Paramount Pictures. Productor: Charles Brackett


DESCARGAR: 
http://rapidshare.com/files/128655470/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part1.rar 
http://rapidshare.com/files/128655403/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part2.rar 
http://rapidshare.com/files/128655415/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part3.rar 
http://rapidshare.com/files/128655476/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part4.rar 
http://rapidshare.com/files/128655489/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part5.rar 
http://rapidshare.com/files/128655478/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part6.rar 
http://rapidshare.com/files/128655426/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part7.rar 
http://rapidshare.com/files/128654828/Sunset_Boulevard_1950-MDX.part8.rar