CALI-BRE 35: 2011

25 de junio de 2011

DIOS Y EL DIABLO EN LA TIERRA DEL SOL: LA AGRESIVIDAD DEL LENGUAJE VISUAL

Glauber Rocha, el vanguardista representante del cinema novo, nos retrata, a través de la historia de Manuel y Rosa, un par de campesinos del Sertão, las luchas intestinas que se viven en el campo brasileño. Luchas de poder y revolución donde intervienen la iglesia, el gobierno y los bandoleros. Todo esto entremezclado con una serie de tradiciones exacerbadas que tienen que ver con la música y el folclor popular, sin dejar a un lado las presencias míticas que sorprendentemente se mantienen.

El filme es ante todo un retrato de la injusticia, pues empieza con una muestra del poder de los grandes hacendados en detrimento de la economía del campesino. De dicha situación se desprende una travesía que, además de física, se torna espiritual cuando se encuentran con aquel ídolo místico que encarna la rebelión del pueblo contra la iglesia y contra el estado; la primacía del dios cultural sobre el dios institucional.

Ese recorrido psíquico y mitológico por los campos brasileros vuelve de nuevo a la lucha revolucionaria al aparecer la figura de Corisco que se erige como el sanguinario bandolero poseído de odio y de locura hacia el gobierno. Corisco es un campesino mas, pero simboliza como ningún otro el folclor popular. Lo vemos en su vestimenta, en sus bailes y rituales, en su forma de ver el mundo.

Es allí cuando entran a jugar subjetivamente las decisiones en el montaje. La superposición de imágenes de los campesinos embebidos en sus rituales. El ritmo trepidante del exterminio de los mismos por parte de esa figura opresora pero al mismo tiempo liberadora que es Antonio Das Mortes. La belleza de la fotografía que configura esa tierra del sol que es el Sertão como una tierra árida donde no crecen sino odios. El manejo de la luz, una luz con sombras fuertes donde el cielo aparece quemado.

El cine de Glauber Rocha y en especial esta película actúan como un despertador sensorial. Algo muy parecido al puñetazo visual de Eisenstein. Es un cine cargado de energía, de violencia. Cine que excita pero que no permite descargar emociones. Cine anárquico y de critica, pero no de manifiesto ni de discurso. Cine que aprovecha su aspereza visual para llegar al espectador.

FICHA TECNICA:

Título Original: Deus e o Diabo na Terra do Sol

Año: 1964

País: Brasil
Género: Western. Aventura. Drama.
Director: Glauber Rocha
Guión: Glauber Rocha
Actores: Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Othon Bastos, Maurício do Valle, Lidio Silva, Sonia Dos Humildes, João Gama, Antônio Pinto, Milton Rosa, Roque Santos
Duración: 01:58:51

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26 de marzo de 2011

LOS CUATROCIENTOS GOLPES: UNA MIRADA REALISTA A LA INFANCIA

Una de las películas inaugurales de lo que se llamaría la Nouvelle Vague constituye, a mi parecer, la más sensible mirada que se haya hecho en el cine hacia el tema de la rebelión infantil y pre-juvenil. Antoine Doinel, su protagonista, encarna todos las valores del héroe revolucionario típico de su época, a pesar de tener tan solo catorce años.

Su profundidad temática, la increíble actuación de sus protagonistas y una intensa realización la colocan en un lugar superior respecto a otras películas que se han encargado de mostrar la realidad de la infancia en dicho momento histórico.

Francois Truffaut experimenta a través de ella esa necesidad de un cine personal que tanto evoco en su etapa de critico. Pese a no ser completamente autobiográfico, el filme si contiene algunos sucesos similares a la convulsiva época adolescente del director, pues recordemos que este creció con su abuela y estuvo recluido en un centro de menores delincuentes del cual fue rescatado por Andre Bazin.

Aunque es indudablemente encomiable la realización efectuada por Truffaut, resulta imposible dejar a un lado la colaboración hecha en el guión por Marcel Moussy, pues la construcción de los personajes secundarios es la que permite que Antoine adquiera mas fuerza. La actitud de sus padres, por ejemplo, es la que justifica gran cantidad de sus acciones. No obstante, la magia del filme radica en que no permite una visión totalitaria pues, en ocasiones, Antoine se erige como un autentico rebelde sin causa.

La película dirige también su critica hacia los mecanismos de regulación y disciplina. La escuela asume un papel fundamental en la historia pues es la que pone en escena la imagen de la ley y la vigilancia. Igualmente, el centro de menores delincuentes donde es recluido Antoine representa otro ejemplo del surgimiento de las sociedades disciplinarias donde el individuo pasa de un espacio cerrado a otro. Truffaut coloca a Antoine como un desafió a estas reglas de vigilancia jerárquica y juicios normalizadores lo que lo iguala a pensadores de la talla de Foucault y Deleuze.

Los cuatrocientos golpes no es mas que una mirada realista a las vivencias de un niño que se rehúsa a adaptarse a ciertos mecanismos de control. Y digo mirada realista con todos los compromisos que ella implica, pues no hay ni juicios ni valoraciones, solo una cámara impecable dispuesta a calcar la realidad.

FICHA TECNICA:

Titulo original:  Les quatre cents coups
Nacionalidad:  FRA
Año:  1959
Duración:  97 min
Clasificación:
Género:  Biográfica
Color:  Color
Fecha de estreno:

Director:François Truffaut

Guión:François Truffaut, Marcel Moussy

Intérpretes:Albert Rémy, Francois Truffaut

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Pasword:
storno

Subtitulos en español:
http://www.opensubtitles.com/es/search/sublanguageid-spa/idmovie-1210

26 de febrero de 2011

LA VENDEDORA DE ROSAS ¿VOLUNTAD REALISTA?

Diez años después de su experimental Rodrigo D. No futuro, Víctor Gaviria repite el mismo esquema en su afamada La vendedora de rosas que, basada en una historia infantil de Hans Christian Andersen, se centra en las peripecias de una joven vendedora de flores, habitante de los sectores más marginales de Medellín. No obstante, su mirada se extiende hacia toda la masa de niños y jóvenes inmersos en ese mundo de violencia, drogas y miseria.

La de Víctor Gaviria es una representación tan descarnada como la realidad misma. Tal vez a eso se deban las constantes criticas que se le han formulado, acusándolo de productor de pornomiseria, pues la crudeza del filme parece insinuar una exageración antiestética de los acontecimientos. Obviamente se genera en el espectador un choque emocional inimaginable, choque que se atribuye a la ausencia de moralidad y a la violencia lingüística exacerbada de la representación. Sin embargo, parece que se ignora que eso es lo que sucede con aquellas sociedades anomicas y que lo que intenta el director es una fiel reproducción de las formas de vida, teniendo como base una ficción argumental. En ese sentido, sí hay que destacar la debilidad del guión, pero la causa de esto es, quizá, la importancia que se la da a los sujetos representados y el hecho de que el trasfondo argumental no sea más que una simple excusa para descartar la posibilidad de un documental.

Todo el cine de Gaviria está marcado por una ética clara de representación. Esta consiste en una voluntad realista que busca, a través de la construcción colectiva de relatos fílmicos, definir una realidad fragmentaria a partir de la voz misma de sus protagonistas. Gaviria asume una neutralidad donde la imagen es la única que habla. Rechaza la traducción de la realidad en un discurso político o antropológico que busque reflexionar y criticar la realidad, o bien darle explicaciones académicas. Su intervención no es mas que organizativa, escapando a cualquier tentación de manipular la imagen en procura de generar discursos propios. Confía plenamente en la eficacia de la representación fiel como productora de sentido. No busca corregir expresiones coloquiales, disciplinar jóvenes delincuentes ni rehabilitar drogadictos. Su interés radica en todas esas manifestaciones de la descomposición social y se considera el elegido para mostrarlas al mundo, pero no para acabar con ellas. Resulta complicado definir esta como una intervención artística teniendo en cuenta que prevalece el compromiso ético ante el estético.

Titulo: La Vendedora de Rosas

Director: Victor Gaviria

Pais: Colombia
Año: 1998
Genero: Drama
Reparto: Leidy Tabares (Mónica) , Marta Correa (Judy), Mileider Gil (Andrea), Diana Murillo (Cachetona), Liliana Giraldo (Claudia), Alex Bedoya (Milton), Giovanni Quiroz (El Zarco)

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6 de enero de 2011

TEOREMA: DE LO PANFLETARIO A LO ESPIRITUAL

El compromiso artístico de Pier Paolo Pasolini con la causa revolucionaria y comunista de su tiempo pudo ser la razón de un film sobre las angustias de la clase burguesa. No obstante, la diatriba muestra la genialidad del director, pues utiliza un recurso bastante interesante que le permite con toda libertad despojar de su seguridad a una serie de individuos para los cuales la vida transcurre con normalidad. El recurso es nada mas y nada menos que la llegada de una presencia divina materializada en un hombre joven dispuesto a entregar amor pero también a develar las necesidades y traumas ocultos de toda la familia.

Como un miembro mas del grupo, el muchacho despierta ciertos sentimientos que nos dan cuenta de la vida interior de cada uno. La madre, una mujer necesitada de cariño y que se muestra inconforme con el marido que tiene. La hija, una estudiante obsesionada con una posible carencia de su padre. El hijo, un artista en ciernes con vestigios de homosexualidad. Y finalmente el padre, un empresario que siente en el peso de la conciencia el abuso a sus obreros.

La narración es bastante sencilla y abundan los silencios simbólicos. Se busca siempre una exploración de la interioridad de los personajes sin preocuparse por hacer notar la representación. No abundan los diálogos pero cada uno de ellos es fundamental para la comprensión de la vida interna que estallara tras la ausencia de ese sujeto divino. La estadía del muchacho en la casa mantiene un equilibrio, pese a que los acontecimientos que suceden durante esta no son precisamente los normales dentro de una familia.

La critica a la burguesía se hace explicita al contemplar las reacciones de cada uno de los miembros de la familia. Todos terminan mal; la madre buscando jóvenes que le recuerden la satisfacción del visitante, la hija se duerme en un trance agónico, el hijo se desata en manifestaciones artísticas controvertidas y el padre se despoja de todas sus posesiones materiales para acabar desnudo en el desierto. La única que acaba en una actitud positiva es la sirvienta pues es investida de una capacidad para realizar milagros. Esto nos sugiere la bondad del proletario y su lucha colectiva a favor de sus compañeros de clase a diferencia del burgués egoísta que solo piensa en su bienestar particular.

La magia del filme radica en la capacidad para hacer sincréticos tanto la visión de la religión como la critica a la mentalidad burguesa. Pasolini pudo fácilmente llevar a cabo un mal panfleto como tantos que existen en el mundo del arte, pero le añade a su obra una interpretación sobre dios y sobre las consecuencias que acarrearía una posible visita suya. No hay duda de que el director es fiel a la tradición clásica o acaso se diferencia en algo de un trágico Deux ex machina.

Ficha Técnica:

Título Original: Teorema
Año: 1968
País: Italia
Género: Drama
Director: Pier Paolo Pasolini
Guión: Pier Paolo Pasolini
Actores: Terence Stamp, Silvana Mangano, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli, Laura Betti
Duración: 01:34:09

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